Der Ort der Kunst ist seit jeher ein intensiv diskutiertes Thema unter Kritikern, Kennern, Forschern und Künstlern selbst. Lange Zeit wurde die Kunstwelt als autonome Sphäre gedacht, die von eigenen Codes regiert und das Ergebnis einer auf die Individualität des Künstlers ausgerichteten Kreativität war. Doch gerade seit dem 20. Jahrhundert haben wir festgestellt, dass diese Trennung zwischen Kunst und Welt an Kraft verliert, da verschiedene Strömungen versucht haben, solche Grenzen zu überschreiten.
In den 1950er Jahren beobachteten wir die Formulierung einer Bewegung namens „Pop-Art“. Dieser aus dem Englischen stammende Ausdruck bedeutet „populäre Kunst“. Im Gegensatz zu dem, was es scheint, hat diese populäre Kunst, die eine solche Bewegung definiert, nichts mit einer von den populären Schichten produzierten Kunst oder mit folkloristischen Vorstellungen von Kunst zu tun. „Pop-Art“ als Bewegung umfasst die vielfältigen Erscheinungsformen der Massenkultur, der Kultur, die für die Massen gemacht und von den großen Medien produziert wird.
Durch die Einbeziehung von Elementen der Industriegesellschaft vollzieht die „Pop-Art“ eine doppelte Bewegung, die uns den Reichtum ihrer eigenen Existenz offenbaren kann. Einerseits legt es Spuren einer Gesellschaft frei, die von Industrialisierung, Wiederholung und der Schaffung augenblicklicher Ikonen geprägt ist. Andererseits hinterfragt er die Grenzen des künstlerischen Schaffens, indem er einen autonomen Gedanken vermeidet und die Phänomene seiner Zeit verdeckt, um eigene Kreationen zu konzipieren.
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Die „Pop-Art“-Bewegung entstand zu einem historischen Zeitpunkt, der vom Wiederaufleben großer Industriegesellschaften geprägt war, die einst von den Auswirkungen des Zweiten Weltkriegs betroffen waren. Auf diese Weise nahm es die großen nordamerikanischen und britischen urbanen Zentren als Umgebung für seine ersten Vertreter an, um sich für ihre Werke inspirieren zu lassen. Werbeartikel, Bilder von Prominenten, Logos und Comics sind einige dieser Inspirationen.
Die Mitglieder der "Pop-Art" haben es geschafft, die Aufmerksamkeit der Öffentlichkeit auf sich zu ziehen, indem sie sich von Elementen inspirieren ließen die theoretisch nicht als Kunst anerkannt wurden, wenn man bedenkt, dass der Konsum das aktuelle Kennzeichen dieser war mal. Große Filmstars, Comics, moderne Autos, elektronische Geräte oder Konserven wurden dekonstruiert damit die Eindrücke und Ideen dieser Künstler die Reproduktionskraft und die Flüchtigkeit des Angebots der Epoche signalisierten industriell.
Unter anderen Vertretern dieser Bewegung können wir die Figur von Andy Warhol hervorheben, bekannt für die vielfarbigen Versionen von „Marilyn Monroe“, die 1967 produziert wurden. Ein weiteres Beispiel für „Pop-Art“ lässt sich in der Arbeit „No Carro“ erkennen, in der Roy Flechtenstein in der Sprache des Comics urbane Situationen erkundet. Noch heute verwenden viele Künstler „Pop-Art“-Bezüge, um Gemälde, Skulpturen und andere Installationen zu entwerfen.
Von Rainer Sousa
Master in Geschichte
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SOUSA, Rainer Gonçalves. "Pop-Art"; Brasilien Schule. Verfügbar in: https://brasilescola.uol.com.br/artes/pop-art.htm. Zugriff am 28. Juni 2021.
