Malerei ist eine der traditionsreichsten und am meisten geschätzten Kunstarten der Welt. Durch sie drückten große Künstler Ideen und Gefühle aus und hinterließen so ein unbezahlbares Erbe.
Laut dem spanischen Maler Pablo Picasso:
Malerei ist nie Prosa. Es ist Poesie, die mit plastischen Reimversen geschrieben ist.
Wir haben 15 Gemälde in Ölfarbe ausgewählt, die in die Geschichte der westlichen Kunst eingegangen sind. Solche Werke werden als kulturelle Symbole verewigt, entweder weil sie künstlerische Innovationen, politische Fragen mit sich bringen oder weil sie gemeinsame Sehnsüchte und Gefühle der Menschheit darstellen.
1. Mona Lisa von Leonardo Da Vinci
Die Tafel Mona Lisa - berechtigt DAS Gioconda ursprünglich - ist eine Kreation von Leonardo da Vinci, eine der berühmtesten Persönlichkeiten der italienischen Renaissance.
Darin wird eine Frau mit einem rätselhaften Gesichtsausdruck dargestellt, die ein sehr faszinierendes leichtes Lächeln zeigt, das uns einlädt, uns ihre Gedanken und Gefühle vorzustellen. Zeigte Mona Lisa Zufriedenheit, Unschuld oder eine gewisse Arroganz?
Viele Theoretiker und Kunstkritiker versuchten dieses Geheimnis zu lüften und mehrere künstlerische Produktionen wurden Inspiriert von diesem Gemälde, das als eines der größten Meisterwerke der Kunstgeschichte angesehen werden kann Western.
2. Guernica von Pablo Picasso
Guernica ist eines der emblematischsten Gemälde des spanischen Malers Pablo Picasso, einem großen Vertreter des Kubismus.
In dieser Arbeit schildert er die Schrecken des spanischen Bürgerkriegs, insbesondere die Bombardierung der baskischen Stadt Guernica am 26. April 1937.
Diese große Leinwand wurde zum Symbol im Kampf gegen alle Arten von Krieg und revolutionierte die Historienmalerei, da sie auf zeitlose Weise Leiden behandelt.
3. Gustav Klimts Kuss
Die Leinwand, gemalt von den Österreichern Gustav Klimt 1907 ist es ein berühmtes Werk der Kunstgeschichte. Dieses Gemälde wurde unaufhörlich reproduziert und auf Objekte gestempelt und repräsentiert eine Ikone der westlichen Kultur.
Das Werk ist Teil der sogenannten „goldenen Phase“ in Klimts künstlerischem Schaffen, wenn er in seinen Kompositionen funkelnde Elemente missbraucht, die auf Edelsteine und sogar Blattgold verweisen.
Im Der Kuss, wird ein Paar (das wäre der Künstler selbst und seine Frau) in einer verschlungenen Position dargestellt, die Zuneigung und Wärme suggeriert.
Bei genauerem Hinsehen kann man aber auch feststellen, dass sich der Mann als aktive Figur in dieser Umarmung über die Geliebte beugt und die kniende Frau ein Zeichen weiblicher Unterwerfung wäre.
4. Edvard Munchs Schrei
Der Schrei ist das bekannteste Gemälde von Edvard Munch, einem norwegischen Maler. Diese Arbeit wurde im Laufe der Zeit reproduziert, auch von anderen Künstlern wie Andy Warhol.
Sein Erfolg war wahrscheinlich, weil Munch das Gefühl von Angst und Einsamkeit, dem Menschen ausgesetzt sind, sehr erfolgreich darstellen konnte.
Mit Farben, Formen und Linien baute der Maler in dieser Komposition ein Symbol der menschlichen Verzweiflung, die auch eine Ikone der expressionistischen Avantgarde ist.
5. Jackson Pollock Nr. 5
1948, in der Nachkriegszeit, produzierte der Amerikaner Jackson Pollock die Leinwand mit dem Titel Nr. 5.
Der Künstler war einer der Vorläufer des abstrakten Expressionismus, einer künstlerischen Bewegung, die in den 40er Jahren in den USA entstand.
Diese Arbeit wurde mit der Technik gemacht tropft (Tropf), viel erforscht vom Maler. Die Methode besteht darin, flüssige Farbe auf große Leinwände zu gießen, die auf dem Boden gespannt sind. Auf diese Weise führt der Maler umfangreiche Körperbewegungen aus, fast so, als ob er im Moment der Entstehung in das Werk „eingetreten“ wäre.
Im Mai 2006 wurde das Gemälde für unglaubliche 140 Millionen US-Dollar verkauft, der höchste Preis, der bis 2011 für ein Gemälde gezahlt wurde.
6. Die Mädchen von Diego Velázquez
Ursprünglich betitelt Familie von Philipp IV, Die Tafel Die Mädchen, wurde 1656 vom Künstler Diego Velázquez gemalt. Dieses Werk repräsentiert das goldene Zeitalter des Malers, der in Sevilla, Spanien, geboren wurde.
Das Gemälde zeigt eine möglicherweise alltägliche Hofszene des 17. Jahrhunderts. Scheinbar einfach trägt die Leinwand eine Reihe von Elementen, die der Betrachter „entdecken“ muss, was sie zu einem der tiefgründigsten Werke der Kunstgeschichte macht.
In dem Gemälde porträtiert der Maler sich selbst bei der Arbeit auf einer von den Königen Filipe IV. und Mariana in Auftrag gegebenen Leinwand, die sich in einem Spiegel im hinteren Teil des Raumes spiegeln. Diese Funktion gibt uns auch das Gefühl, dass sie Zuschauer des Werkes selbst wären.
7. Vincent Van Goghs Kartoffelesser
Dieses Werk wurde 1885 von. produziert Vincent van Gogh, niederländischer Maler des Post-Impressionismus und Expressionismus. Heute viel gelobt, war Van Gogh ein einsamer Künstler und hatte zu seinen Lebzeiten nur sehr wenig Anerkennung gefunden.
Das fragliche Gemälde zeigt eine Bauernfamilie beim Essen in ihrem bescheidenen Haus, das von einer schwachen Lampe beleuchtet wird. Es ist ein bekanntes Werk des Malers und zeigt die technischen Entwicklungen seiner Malerei und prägt expressionistische Züge, die zu seinem Markenzeichen werden.
Darüber hinaus zeigt er großes Interesse an sozialen und humanitären Themen. Laut dem Künstler selbst:
Ich wollte mich bewusst dem Gedanken widmen, dass diese Menschen, die in diesem Licht ihre Kartoffeln mit den Händen essen, auch das Land bearbeitet haben. Mein Bild preist daher die Handarbeit und das Essen, das sie sich so ehrlich verdient haben.
8. Die Beständigkeit der Erinnerung an Salvador Dalí
Salvador Dali war ein katalanischer Maler, der in Europa zum Surrealismus gehörte. Eines seiner bekanntesten Gemälde ist DASBeständigkeit der Erinnerung.
In dieser Arbeit repräsentiert Dalí den Lauf der Zeit durch die verstörende Figur geschmolzener Uhren in einer trockenen Landschaft, einen formlosen Körper, Ameisen und eine Fliege.
Im Hintergrund sind auch eine Klippe und das Meer zu erkennen, eine Landschaft, die auf ihren Ursprungsort, Katalonien, verweist.
Diese Arbeit ist seit 1934 im Museum of Modern Art in New York in den Vereinigten Staaten zu finden.
9. Impression, aufgehende Sonne von Claude Monet
Claude Monet, ein bedeutender Maler des Impressionismus, einer europäischen Avantgarde-Kunstbewegung, konzipierte dieses Werk 1872.
Die Komposition ist ein Meilenstein in der Malerei, da sie eine neue Art des Pinselns zeigt, indem sie den Moment festhält, in dem die Sonne den Nebel in der Bucht von Le Havre in der Normandie durchquert.
Es kann davon ausgegangen werden, dass die Innovation in diesem Werk die Malerei revolutioniert hat.
Die damalige Presse reagierte gegen den neuen Stil und betrachtete diese Leinwand als "unfertiges" Werk. Die Ausstellung, in der sie gezeigt wurde, wurde abwertend "Impressionistenausstellung" genannt und gewählt Drucken, aufgehende Sonne als größtes Ziel der Kritik. Wegen dieser Episode wurde die impressionistische Strömung so genannt.
10. Francisco de Goyas Hinrichtungen am 3. Mai May
Die Hinrichtungen am 3. Mai, am 3. Mai 1808 in Madrid oder Die Hinrichtungen auf dem Berg Príncipe Pío, ist ein Gemälde des spanischen Malers Francisco de Goya.
Francisco de Goya präsentiert in diesem Gemälde ein beeindruckendes Porträt des Völkermords, der im Jahr 1808 in Madrid stattfand. Dieses Ereignis war eine Folge des sogenannten Halbinselkrieges (1807-1814), als Napoleon Bonaparte in Spanien einfiel.
Am Tag vor diesem schrecklichen Massaker stießen einige Madrider mit napoleonischen Truppen zusammen. Sie trugen nur Nahkampfwaffen, stellten sich der feindlichen Kavallerie und wurden hart unterdrückt.
Diese Episode wurde auch von Goya in der Arbeit dargestellt 2. Mai in Madrid und bilde ein Duett mit Die Schießereien vom 3. Mai.
Als Tadel für den "Wagemut" der Zivilbevölkerung wurde das Massaker verübt, das in den Tod unzähliger Unschuldiger gipfelte. Goya, der ganz in der Nähe des Ortes lebte, war Zeuge solcher Episoden und erfand Jahre später diese Leinwand, die zu einem Meilenstein der Kunstgeschichte und eine Anklage gegen die Schrecken des Krieges - Einfluss auf andere Künstler wie Picasso in der Produktion von dir Guernika.
Auf die Frage, warum er diese Gräueltaten malte, antwortete Goya:
Das Vergnügen zu haben, den Männern für immer zu sagen, sie sollen keine Barbaren sein.
11. Junges Mädchen mit Perlenohrring von Johannes Vermeer
Die Tafel Mädchen mit Perlenohrring sie gilt als "die niederländische Mona Lisa", da sie auch eine in eine mysteriöse Atmosphäre gehüllte weibliche Figur zeigt.
Johannes Vermeer, ein niederländischer Künstler, soll dieses Porträt 1665 geschaffen haben - die Leinwand ist nicht datiert. Darin beobachten wir ein Mädchen, das uns mit heiterer und keuscher Miene ansieht und ihre geöffneten Lippen zum Leuchten bringt.
Eine andere Vermutung betrifft den Schmuck auf dem Kopf der jungen Frau. Zu dieser Zeit wurde kein Turban mehr verwendet, daher wird spekuliert, dass Vermeer von einem anderen Werk inspiriert wurde, Junge mit Turban, gemalt von Michael Sweerts im Jahr 1655.
Dies ist das bekannteste Werk des Malers und inspirierte die Produktion eines Buches und eines Films, beide mit dem gleichen Namen wie das Gemälde.
12. Das Mittagessen der Bootsleute von Pierre-Auguste Renoir
Im Jahr 1881, Pierre-Auguste Renoir beendet die Lackierung des Rahmens Das Mittagessen der Bootsfahrer, wichtiger Vertreter der impressionistischen Bewegung.
In der Arbeit arbeitet der Maler eine fröhliche und entspannte Szene aus, indem er ein Treffen zwischen Freunden zeigt, das mit viel Essen und einem schönen Blick auf die Seine gewaschen wird. Alle porträtierten Personen waren enge Freunde von Renoir und eine der Frauen, die auf der Leinwand zu sehen sind, wurde Jahre später seine Frau.
Bei diesem künstlerischen Trend ging es darum, natürliches Licht und spontane Szenen durch die Fixierung des Moments einzufangen. Wir können sagen, dass der Impressionismus die Avantgarde war, die der sogenannten modernen Kunst Auftrieb gab.
13. Henry-Ford-Krankenhaus (Das fliegende Bett) von Frida Kahlo
Frida Kahlo war ein bedeutender mexikanischer Künstler, der in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts lebte.
Ihre fast immer autobiografische Malerei schildert ihren Schmerz, ihre große Liebe (auch Maler Diego Rivera), ihren Stolz als Frau und ihre lateinamerikanische Herkunft.
Fridas Inszenierung ist voller Symboliken und Elemente, die mit dem Surrealismus flirten, obwohl der Maler bestreitet, Teil einer solchen Bewegung zu sein und einer Art konfessioneller Kunst näher zu sein. Sie sagt aus:
Ich male nie Träume oder Albträume. Ich male meine eigene Realität.
In der Arbeit, die bekannt wurde als Das fliegende Bettschildert die Künstlerin eine schmerzhafte Episode in ihrem Leben, als sie ein Kind verliert, das auf Diego wartete.
Frida erlitt mehrere aufeinanderfolgende Fehlgeburten, da sie aufgrund von Problemen mit der Schwangerschaft die Schwangerschaft nicht aufrechterhalten konnte als Kind erworben - er erkrankte an Kinderlähmung - und in der Jugend bei einem schweren Unfall. Zug.
Frida wurde vor einigen Jahren von den meisten Menschen "entdeckt" und gilt als Ikone der Kunst und sogar der Popkultur und der feministischen Bewegung.
14. Die Auswanderer von Cândido Portinari
die Retreatanten es ist ein Werk des Malers Cândido Portinari, geboren im Landesinneren von São Paulo, in der Stadt Brodowski.
Die Leinwand entstand 1944 und zeigt eine Migrantenfamilie, Menschen, die aus der Nordostregion an andere Orte ziehen, um der Dürre, Armut und Kindersterblichkeit zu entkommen.
Auffallend ist die Art und Weise, wie die Künstlerin die dünnen, erschöpften und gequälten Ausdruckskörper in einer trockenen und grauen Landschaft zeigt.
Geier fliegen über Menschen, als warteten sie auf ihren Tod. Kinder werden unterernährt und krank dargestellt - man beachte den Jungen auf der rechten Seite, der einen unverhältnismäßigen Bauch hat, ein Zeichen für einen wässrigen Bauch.
Wir können eine Parallele zwischen diesem Werk und dem literarischen Werk Vidas Secas ziehen, das 1938 von dem Schriftsteller Graciliano Ramos entstand und das gleiche Thema behandelt.
Portinari war ein großer Künstler, der unter anderem Wert auf das brasilianische Volk legte und die sozialen Probleme des Landes anprangerte.
15. Abaporu von Tarsila do Amaral
abaporu ist eine Produktion der Künstlerin Tarsila do Amaral, einer prominenten Figur der brasilianischen Moderne.
Der Name des Werkes ist indigenen Ursprungs und bedeutet nach Angaben des Künstlers „anthropophag“ – was gleichbedeutend mit Kannibale ist. Als Ergebnis dieser Arbeit definiert Oswald de Andrade, Tarsilas Ehemann und ebenfalls Künstler, die Grundlagen der anthropophagischen Theorie für die moderne Kunst in Brasilien.
Diese Theorie schlug vor, dass brasilianische Künstler aus der Quelle europäischer Avantgarde-Bewegungen trinken, aber eine Produktion mit nationalen Merkmalen entwickeln. Ein berühmter Satz, der die Periode definiert, ist:
Nur die Anthropophagie verbindet uns.
Abaporu bringt den Wert der Handarbeit mit hervorgehobenen Händen und Füßen. Auch die kräftigen Farben, der Kaktus und die Sonne spielen auf das tropische Klima und die Landschaft an.
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