Maleri er en af de mest traditionelle og værdsatte typer kunst i verden. Gennem det udtrykte store kunstnere ideer og følelser og efterlod således en uvurderlig arv.
Ifølge den spanske maler Pablo Picasso:
Maleri er aldrig prosa. Det er poesi, der er skrevet med plastiske vers.
Vi valgte 15 malerier lavet i oliemaling, der er kommet ind i den vestlige kunsthistorie. Sådanne værker videreføres som kulturelle symboler, enten fordi de bringer kunstneriske innovationer, politiske spørgsmål eller fordi de repræsenterer ambitioner og følelser, der er fælles for menneskeheden.
1. Mona Lisa af Leonardo Da Vinci
Bestyrelsen Mona Lisa - berettiget DET Gioconda oprindeligt - er en skabelse af Leonardo Da Vinci, en af de mest berømte personligheder i den italienske renæssance.
I den er en kvinde portrætteret med et gådefuldt ansigtsudtryk og udviser et meget spændende let smil, der opfordrer os til at forestille os, hvad hendes tanker og følelser kan være. Udviste Mona Lisa tilfredshed, uskyld eller en vis arrogance?
Mange teoretikere og kunstkritikere forsøgte at afsløre dette mysterium, og flere kunstneriske produktioner var lavet inspireret af dette maleri, der kan betragtes som et af de største mesterværker i kunsthistorien vestlig.
2. Guernica af Pablo Picasso
Guernica er et af de mest symbolske malerier af den spanske maler Pablo Picasso, en stor eksponent for kubisme.
I dette arbejde skildrer han rædslerne under den spanske borgerkrig, især bombningen af den baskiske by Guernica den 26. april 1937.
Dette store lærred blev et symbol i kampen mod alle typer krig og revolutionerede historisk maleri, da det behandler lidelse på en tidløs måde.
3. Gustav Klimts kys
Lærredet, malet af den østrigske Gustav Klimt i 1907 er det et berømt værk i kunsthistorien. Dette maleri er blevet reproduceret og stemplet på genstande uophørligt og repræsenterer et ikon for vestlig kultur.
Værket er en del af den såkaldte "gyldne fase" i Klimts kunstneriske produktion, når han misbruger mousserende elementer, der refererer til ædelsten og endda guldblade i hans kompositioner.
I Kysset, et par portrætteres (hvilket ville være kunstneren selv og hans kone) i en sammenflettet position, hvilket tyder på kærlighed og varme.
Men med et nærmere kig er det også muligt at observere, at manden bøjer sig over den elskede, idet den er den aktive skikkelse i denne omfavnelse, og at kvinden, knælende, ville være et tegn på kvindelig underkastelse.
4. Edvard Munchs skrig
Skriget er det mest berømte maleri af Edvard Munch, en norsk maler. Dette arbejde er gengivet over tid, herunder af andre kunstnere som Andy Warhol.
Hans succes skyldtes sandsynligvis, at Munch meget vellykket kunne skildre den følelse af kval og ensomhed, som folk udsættes for.
Med farver, former og linjer byggede maleren et symbol på menneskelig fortvivlelse i denne komposition, som også er et ikon for den ekspressionistiske avantgarde-bevægelse.
5. Jackson Pollock nr. 5
I 1948, i efterkrigstiden, producerede den amerikanske Jackson Pollock lærredet berettiget Nr. 5.
Kunstneren var en af forløberne for abstrakt ekspressionisme, en kunstnerisk bevægelse, der opstod i 40'erne i USA.
Dette arbejde blev lavet ved hjælp af teknikken dryp (dryp), meget udforsket af maleren. Metoden består i at hælde flydende maling på store lærred strakt på gulvet. På denne måde udfører maleren omfattende kropsbevægelser næsten som om han "kom ind" i værket i skabelsestidspunktet.
I maj 2006 blev maleriet solgt for svimlende 140 millioner dollars, den højeste pris, der blev betalt for et maleri indtil 2011.
6. Pigerne fra Diego Velázquez
Oprindeligt titlen Philip IVs familie, bestyrelsen Pigerne, blev malet i 1656 af kunstneren Diego Velázquez. Dette arbejde repræsenterer malerenes gyldne tidsalder, født i byen Sevilla, Spanien.
Maleriet skildrer en mulig hverdags domstol fra det 17. århundrede. Tilsyneladende simpelt bærer lærredet en række elementer, der skal "opdages" af seeren, hvilket gør det til et af de mest dybe værker i kunsthistorien.
I maleriet portrætterede maleren sig på et lærred bestilt af konger Filipe IV og Mariana, der afspejles i et spejl på bagsiden af rummet. Denne funktion giver os også en følelse af, at de ville være tilskuere af selve værket.
7. Vincent Van Goghs kartoffelspisere
Dette arbejde blev produceret i 1885 af Vincent Van Gogh, Hollandsk maler af postimpressionisme og expressionisme. Van Gogh var meget anerkendt i dag og var en ensom kunstner og havde meget lidt anerkendelse i sin levetid.
Det pågældende maleri viser en bondefamilie, der spiser i deres ydmyge hjem, oplyst af en svag lampe. Det er et velkendt værk af maleren og viser den tekniske udvikling af hans maleri, der præger expressionistiske egenskaber, der ville blive hans varemærke.
Derudover viser han stor interesse for sociale og humanitære spørgsmål. Ifølge kunstneren selv:
Jeg ville bevidst dedikere mig til at udtrykke tanken om, at disse mennesker, der i lyset af dette spiser deres kartofler med deres hænder, også arbejdede jorden. Mit billede roser derfor manuel arbejdskraft og mad, som de selv så ærligt tjente.
8. Persistence of Memory of Salvador Dalí
Salvador Dali var en catalansk maler, der var en del af surrealismen i Europa. Et af hans mest berømte malerier er DETHukommelsens vedholdenhed.
I dette arbejde repræsenterer Dalí tidens gang gennem den foruroligende figur af smeltede ure i et tørt landskab, en formløs krop, myrer og en flue.
I baggrunden er det også muligt at bemærke tilstedeværelsen af en klippe og havet, et landskab der henviser til dets oprindelsessted, Catalonien.
Dette arbejde er fundet siden 1934 på Museum of Modern Art i New York, i USA.
9. Impression, Rising Sun af Claude Monet
Claude Monet, en vigtig impressionistmaler, en europæisk avantgarde kunstnerisk bevægelse, udtænkt dette værk i 1872.
Kompositionen er et vartegn i maleriet, da det viser en ny måde at børste ved at registrere det øjeblik, hvor solen krydser tågen i Le Havre-bugten i Normandiet.
Det kan betragtes som den innovation, der er til stede i dette arbejde, revolutionerede maleriet.
Pressens reaktion på det tidspunkt var imod den nye stil og betragtede dette lærred som et "ufærdigt" værk. Udstillingen, hvor hun blev vist, blev kaldt "impressionistisk udstilling" og valgt Udskrivning, Rising Sun som det største mål for kritik. På grund af denne episode blev den impressionistiske strøm navngivet på den måde.
10. Francisco de Goyas henrettelser den 3. maj
Henrettelserne den 3. maj, den 3. maj 1808 i Madrid eller Henrettelserne af bjerget Príncipe Pío, er et maleri af den spanske maler Francisco de Goya.
Francisco de Goya præsenterer i dette maleri et imponerende portræt af folkemordet, der fandt sted i Madrid i år 1808. Denne begivenhed var en konsekvens af den såkaldte halvkrig (1807-1814), da Napoleon Bonaparte invaderede Spanien.
Dagen før denne forfærdelige massakre kolliderede nogle fra Madrid med Napoleons tropper. De havde kun nærkampsvåben og stod over for fjendens kavaleri og blev hårdt undertrykt.
Denne episode blev også portrætteret af Goya i værket 2. maj i Madrid og danne en duet med Optagelserne den 3. maj.
Som en irettesættelse af den "dristige" civile blev massakren, der kulminerede med utallige uskyldiges død, udført. Goya, der boede meget tæt på stedet, var vidne til sådanne episoder og udtænkte år senere dette lærred, som ville blive et milepæl i kunsthistorien og en fordømmelse af krigens rædsler - der påvirker andre kunstnere som Picasso i produktionen af din Guernica.
På spørgsmålet om, hvorfor han malede disse grusomheder, svarede Goya:
At have fornøjelsen at fortælle mænd for evigt om ikke at være barbarer.
11. Ung pige med perleørering af Johannes Vermeer
Bestyrelsen Pige med perleørering det betragtes som "den hollandske Mona Lisa", da det også udviser en kvindelig figur indhyllet i en mystisk atmosfære.
Johannes Vermeer, en hollandsk kunstner, menes at have produceret dette portræt i 1665 - lærredet er ikke dateret. I den observerer vi en pige, der ser tilbage på os med en rolig og kold luft og bringer en glans til hendes skille læber.
Et andet gæt er om udsmykningen på den unge kvindes hoved. På det tidspunkt blev der ikke længere brugt en turban, så det spekuleres i, at Vermeer var inspireret af et andet værk, dreng i en turban, malet af Michael Sweerts i 1655.
Dette er malernes bedst kendte værk og inspirerede produktionen af en bog og en film, begge med samme navn som maleriet.
12. The Boatmen's Lunch af Pierre-Auguste Renoir
I 1881 Pierre-Auguste Renoir færdig med at male rammen Boaters 'Frokost, vigtig eksponent for den impressionistiske bevægelse.
I arbejdet udarbejder maleren en glad og afslappet scene ved at vise et møde mellem venner, skyllet ned med masser af mad og en smuk udsigt over Seinen. Alle de portrætterede mennesker var nære venner af Renoir, og en af de kvinder, der vises på skærmen, blev hans kone år senere.
Denne kunstneriske tendens var beskæftiget med at fange naturlig belysning og spontane scener gennem øjeblikket. Vi kan sige, at impressionismen var den avantgarde-bevægelse, der gav et boost til den såkaldte moderne kunst.
13. Henry Ford Hospital (Den flyvende seng) af Frida Kahlo
Frida Kahlo var en vigtig mexicansk kunstner, der boede i første halvdel af det 20. århundrede.
Hendes maleri, næsten altid selvbiografisk, skildrer hendes smerte, hendes store kærlighed (også maleren Diego Rivera), hendes stolthed over at være kvinde og hendes latinamerikanske oprindelse.
Fridas produktion er fyldt med symboler og elementer, der flirter med surrealisme, skønt maleren benægter at være en del af en sådan bevægelse og være tættere på en type konfessionel kunst. Hun siger:
Jeg maler aldrig drømme eller mareridt. Jeg maler min egen virkelighed.
I det arbejde, der blev kendt som Den flyvende seng, portrætterer kunstneren en smertefuld episode i sit liv, da hun mister et barn, der ventede på Diego.
Frida led flere på hinanden følgende aborter, da hun ikke var i stand til at opretholde graviditeten på grund af problemer med erhvervet som barn - han fik polio - og i ungdomsårene, da han blev udsat for en alvorlig ulykke. tog.
For få år siden blev Frida "opdaget" af de fleste mennesker og er blevet betragtet som et ikon for kunst og endog popkultur og den feministiske bevægelse.
14. Emigranterne fra Cândido Portinari
retræterne det er et malearbejde Cândido Portinari, født i det indre af São Paulo, i byen Brodowski.
Lærredet blev oprettet i 1944 og portrætterer en familie af indvandrere, mennesker, der flytter fra den nordøstlige region til andre steder i håb om at undslippe tørke, fattigdom og spædbarnsdødelighed.
Den måde, hvorpå kunstneren viser de tynde, udmattede og smertefulde udtrykslegemer i et tørt og gråt landskab er slående.
Der flyver gribbe over mennesker, som om de afventer deres død. Børn bliver portrætteret underernærede og syge - bemærk drengen på højre side, der har en mave, der er uforholdsmæssig stor over for kroppen, et tegn på en vandig mave.
Vi kan skabe en parallel mellem dette værk og det litterære værk Vidas Secas, produceret år før, i 1938, af forfatteren Graciliano Ramos, og som beskæftiger sig med det samme tema.
Portinari var en stor kunstner, der blandt andet havde værdsat det brasilianske folk og fordømte landets sociale problemer.
15. Abaporu fra Tarsila do Amaral
abaporu er en produktion af kunstneren Tarsila do Amaral, en fremtrædende skikkelse i den brasilianske modernistiske bevægelse.
Værkets navn er af oprindelig oprindelse og betyder ifølge kunstneren "antropofagisk" - hvilket er det samme som kannibal. Det var som et resultat af dette arbejde, at Oswald de Andrade, Tarsilas mand og også en kunstner, definerer baserne for antropofagisk teori for moderne kunst i Brasilien.
En sådan teori foreslog, at brasilianske kunstnere drikker af kilden til europæiske avantgarde-bevægelser, men udvikler en produktion med nationale karakteristika. En berømt sætning, der definerer perioden er:
Kun antropofagi forener os.
Abaporu bringer værdien af manuelt arbejde med hænder og fødder fremhævet. De stærke farver, kaktusen og solen henviser også til det tropiske klima og landskab.
Læs også: Modernistiske værker af Tarsila do Amaral