Tarsila do Amaral: biografi, betydning, værker

Tarsila do Amaral figurer blandt de mest kendte og anerkendte navne i nationalt maleri, der er et ikon for brasiliansk modernisme. Integrering af flere typiske elementer i Brasiliansk kultur, var kunstneren i stand til at producere sin egen kulturelle identitet, som assimilerede tendenser inden for moderne europæisk kunst og samtidig gav dem nationale farver.

Ud over den modernistiske periode, hans mest berømte arbejde, abaporu, symbol på det antropofagiske manifest fra 1928, er også det mest værdifulde maleri i den brasilianske kunsthistorie. Desuden er Tarsila do Amaral en af ​​de store repræsentanter for latinamerikansk kunst med udstillinger dedikeret til hende, der cirkulerer i større museer rundt om i verden.

Mindestempel af XXIV Bienal de São Paulo med gengivelse af maleriet Ægget (Urutu)af Tarsila do Amaral.

Biografi

Tarsila do Amaral blev født den 1. september 1886 på gården São Bernardo i Capivari kommune. I velhavende familie, arving af store landlige ejendomme i det indre af São Paulo voksede han op sammen med syv søskende og lyttede til sin mor spille klaver og hans far til at recitere digte på fransk, et sprog han lærte siden barndommen. Hun blev sendt til hovedstaden for at studere på Colegio Sion og derefter til Barcelona for at afslutte sine studier. I Spanien malede han sit første maleri,

Jesu hellige hjerte.

Ved hjemkomsten giftede hun sig med lægen André Teixeira Pinto, som hun var forlovet med. Manden blev generet af sit kunstneriske håndværk, han pålagde Tarsila en modløs og huslig opførsel. Efter fødslen af ​​parets eneste datter, Dulce, besluttede Tarsila derefter at gøre det adskillelse. Takket være hans enorme indflydelse fra hans familie - som altid har understøttet hans karriere inden for kunst - formåede han i 1925 at annullering af dit ægteskab (da skilsmisse da ikke var tilladt ved lov i Brasilien).

Stop ikke nu... Der er mere efter reklamen;)

I 1918 begyndte det at have maling lektioner i Pedro Alexandrinos studie, hvor han mødte maleren Anita Malfatti. I 1920 rejste han til Paris, hvor han forblev indtil juni 1922, studerede ved Académie Julien og tog lektioner hos maleren Emile Renard. Var fra breve sendt af Malfatti, som Tarsila blev opmærksom på Uge for moderne kunst, som fandt sted i februar 1922.

Tilbage til São Paulo, Malfatti introducerede Tarsila til modernistiske kunstnere, og "gruppe på fem”: Anita Malfatti, Oswald de Andrade, mario de andrade, Menotti del Picchia og Tarsila do Amaral. I denne periode indledte Tarsila og Oswald et romantisk forhold og indgik et officielt ægteskab et par år senere. Det var på dette tidspunkt, at Tarsila begyndte at producere moderne kunst.

I slutningen af ​​1922 vendte Tarsila tilbage til Paris, denne gang at studere med kubistiske mestre Albert Gleizes og Fernand Léger. Den fransk-schweiziske digter Blaise Cendrars introducerede Tarsila og Oswald for hele den parisiske intelligentsia, herunder store navne som f.eks. Picasso, parret Delaunay og musikerne Stravinsky og Erik Satie. Under dette nye ophold i Frankrig blev Tarsila venner med andre brasilianske kunstnere, der var der, såsom Villa-Lobos og Di Cavalcanti, og også med lånere Paulo Prado og Olivia Guedes Penteado.

I 1925 udgav Oswald sin digtebog med titlen Brazilwood, med illustrationer af Tarsila. Oscillerende mellem de store årstider i Europa og ture rundt i Brasilien på jagt efter at fange de nationale farver til deres lærred, havde premiere i 1926 med en separatudstilling i Paris, der modtager meget gunstige anmeldelser.

Den store 1929-krisehavde imidlertid uheldig konsekvenser for Tarsila. Hans familie af landmænd, der leverede de nødvendige ressourcer til så mange ture til Frankrig, var påvirket af kaffekrisen og tvunget til at sælge ejendommene. Tarsila mistede næsten al sin formue og ud over det, adskilt fra Oswald, derefter forelsket i studerende Patrícia Galvão, Pagu. Tarsila fik et job i São Paulo State Pinacoteca, en situation der heller ikke varede længe, ​​da hun blev fyret med ankomsten af Getulio Vargas til magten i 1930.

Arbejdsløs og pengeløs solgte hun nogle malerier og rejste i 1931 til Sovjetunionensammen med sin nye mand, psykiateren Osório César. Under denne rejse, Tarsila udviklet en ny politisk opfattelse, mere rettet mod sociale spørgsmål. Derefter rejste hun til Paris, hvor hun faktisk oplevede arbejdserfaringen ved at arbejde som vægmaler i bygninger.

Tarsila blev endnu en gang skilt og giftede sig med forfatteren Luiz Martins, tyve år yngre end hendes. Ægteskabet varede indtil 1960'erne eller deromkring. I 1965 på grund af svære rygsmerter maleren gennemgik en kirurgisk procedure, men på grund af en medicinsk fejl kunne han ikke gå. Det følgende år døde hendes datter af diabetes, hvilket rystede Tarsila dybt. Stødt ned i tristhed og depression fandt Tarsila spiritisme en lettelse - hun blev venner med Chico Xavier og begyndte at donere til en velgørenhedsinstitution, der ledes af ham, alt hvad hun rejste fra salget af hendes arbejde.

Tarsila do Amaral døde i São Paulo den 17. januar 1973.

Læs også: Modernisme i Brasilien - egenskaber, faser, værker

Tarsila og modernisme

Selvom den ikke deltog aktivt i Modern Art Week i 1922, blev Tarsila den stort navn i national modernismens plastiske kunst. Det var kun fra hendes møde med modernistiske kunstnere, at Tarsila faktisk udviklede den stil, som hun var kendt for.

Hans rejser gennem Brasilien, især gennem det indre af São Paulo og Minas Gerais, i 1923, gav ham inspiration til sin første påvirke kompositioner kubistisk, i stiliserede geometriske former, der bruger de farver, der betragtes som "hillbilly" af deres tidligere mestre, knyttet til akademisk maleri.

Manifest Antropófago, af Oswald de Andrade, udgivet i Revista de Antropofagia, med illustration af Abaporu, af Tarsila do Amaral.

I det følgende uddrag afslører Tarsila sine intentioner og hendes engagement i søgen efter en virkelig brasiliansk kunst, modernistisk virksomhed par excellence:

”Jeg føler mig mere og mere brasiliansk: Jeg vil være maleren i mit land. Hvor er jeg taknemmelig for at have tilbragt hele min barndom på gården. Minderne fra den tid bliver dyrebare for mig. I kunsten vil jeg være São Bernardo's caipirinha [fra gården] og lege med vilde dukker, som i det sidste maleri, jeg maler. ”

(Brev fra Tarsila do Amaral til familien under hendes ophold i Paris i 1924)

Tarsila do Amarals arbejde er opdelt i tre hovedfaser: den første, kaldet brazilwood; Sekundet, antropofagiskog den tredje aftryk Social.

• redwood-fase

Det er relateret til værker produceret mellem 1924 og 1928, fra ture til Rio de Janeiro, under karnevalet og til de historiske byer Minas Gerais. Det er anvendelsen af ​​sådan "Båndfarver", afvist af de akademiske mestre i malerier, og Tarsilas store intention i repræsenterer landdistrikterne og byerne Brasilien i dine billeder. Værkerne fra denne fase afslører indflydelsen fra kubismen og frem for alt temaer brasilianske landskaber, såsom Favela Hill (1924) og Sao Paulo (1924).

• Antropofagisk fase

Det begyndte i 1928 fra det ikoniske værk abaporu - hvis navn er kombinationen af ​​ordene "aba" og "poru", der betyder "mand, der spiser" i Tupi-Guarani. Malet som en fødselsdagsgave til sin daværende mand, Oswald de Andrade, blev det meget mere end det: det var det hovedinspiration til skrivningen af ​​det antropofagiske manifest og til begyndelsen af ​​en kunstnerisk bevægelse, der havde eksponenter i forskellige segmenter af national kunst.

Den centrale idé om det antropofagiske projekt var fortær indflydelsen fra den europæiske kultur, da de ikke gjaldt brasilianske forhold og fra at sluge, ændre det, der blev fortæret, der producerer ægte national kunst.

Tarsilas antropofagiske maleri blander den moderne læring af kubisme med et univers af mystisk og drømmeagtig tæthed, temmelig forankret i brasiliansk kultur, gør brug af Levende farver, såsom rød, lilla, grøn og gul. De er en del af denne fase ud over abaporu (1928), værkerne Det sorte (1923), som forventede denne fase, Ægget [Urutu] (1928), Månen (1928), Skov (1929), Solnedgang (1929), blandt andre.

• social fase

Efter sin tid i Sovjetunionen og efter at have arbejdet som en murmaler i Frankrig, begyndte Tarsila at reflektere over sine tematiske værker relateret til proletariat, à social ulighed, kl undertrykkelser led af arbejderne, til problemer med industriel kapitalisme.

Bestyrelsen arbejderne (1933) indvier denne nye billedfase, præget af brug af mere ædru og gråere farver, en afspejling af håbløsheden hos dem, der, selvom de arbejdede utrætteligt, ikke havde adgang til basale varer såsom sundhed og uddannelse. Malerierne betragtes også som et godt ikon i denne fase. Anden klasse (1933) og syersker (1936).

Læs også:Kubisme - den kunstneriske avantgarde, der påvirkede Tarsila

Vigtigste værker

• Det sorte (1923)
• cucaen (1924)
• Favela Hill (1924)
• Sao Paulo (1924)
• papaya træet (1925)
• Selvportræt (Manteau Rouge) (1925)
• Manaca (1927)
• abaporu (1928)
• Ægget (Urutu) (1928)
• Afstand (1928)
• Månen (1928)
• Søvn (1928)
• Antropofagi (1929)
• Solnedgang (1929)
• Skov (1929)
• Postkort (1929)
• Arbejdere (1933)
• Anden klasse (1933)

af Luiza Brandino
Litteraturlærer